Reservation for museums and public institutions of Vita di Marcel Duchamp
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"J'aime mieux vivre, respirer, que travailler.
Je ne considère pas que le travail que j'ai fait
puisse avoir une importance quelconque
au point de vue social dans l'avenir.
Donc, si vous voulez, mon art serait de vivre;
chaque seconds, chaque respiration est ine oeuvre
qui n'est inscrite nulle part,
qui n'est visuelle ni cérébrale.
C'est une sorte d'euphorie constante."
Marcel Duchamp
Marani Marcel Duchamp Marani , Marani Achille Bonito Oliva Marani Art book publisher with books in museums like MOMA.Marani Andy Warhol,Marani Rotella,Marani Schifano,Marani Rauchemberg, Manzoni, Marani Picabia .Duchamp Marani.Marani Bonito Oliva.Marani Duchamp. F. Menna e F. Mauri, Linguaggio è guerra, Marani, Roma 1975 , robert rauchenberg Duchamp and the Narrative. This lecture is last of the three that explore different types of narrative in 20th century image making; the generations of American narrative painting; the case study of Philip Guston and now Marcel Duchamp. We'll look at his attempts to create a new type of storytelling, of creating sequences of two dimensions that imply further levels of reality in a way that echoes the cabalistic and hermetic thought of the medieval and early Renaissance period, touched on in an early lecture. We'll look at the meaning, supposed and intended of two works, 1. The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even (La Mariee mise a nue par ses Celibataires, meme); 1915-1923, lead wire, oil and foil, 107" x 67", Philadelphia Museum of Art. 2. Given: 1st. The Waterfall, and 2nd , The Illuminating Gas (Etant donnees: 1.La Chute d'Eau 2. Le Gaz d'Eclairage)1946-1966, mixed media assemblage, Philadelphia Museum of Art. Both works examine the nature of sexuality, the relationship bewteen science and life, the narrative flow of events, the mythic possibilities of narrative, while developing ways of making marks and structures that transcends the conventional repertoire of art. 1. The Large Glass; The Bachelors' Domain The Bachelor Apparatus - The Nine Malic Moulds; Capillary Tubes; Region of the Waterfall; Water Mill; Chocolate Grinder; Sieves or Parasols; Region of the Butterfly Pump; Toboggan or Cork Screw; Region of the Three Crashes; Weight with nine holes; Oculist Witnesses; Marbles; Boxing Match; Region of the Sculpture of Drops; Region of the Wilson Lincoln Effect. The Bride's Domain. The Bride, Pendu Femelle; Bride's Garments; Region of the Gilled cooler; Milky Way; Horizon; Nine Shots; Region of the cast shadows; Region of the mirror images of sculpture of drops; Juggler of Gravity. 2. Given; The Nude, the wall, the landscape, trees and waterfall, lighting, the Gas Light . SHORT Chronology; born 1887, died 1968. 1908, from Rouen to Neuilly. 1910, Meets Picabia. 1912, Nude Descending , visits Munich. Works as a Librarian, Biblioteque Ste Genevieve. 1913, Armory Show NY, Nude descending scandal. First work on glass. 1915, arrives in NY, next year produces Readymades. 1918 Buenos Aires. 1923 abandons Large Glass , broken and restored 1936. 1944 first sketch for Given 1966 London retrospective. BOOKLIST A.Oliva, Vita de Marcel Duchamp , Marani, Rome 1976 Marani Claude Levi-Strauss Marani Ferdinand de Saussure Marani Roland Barthes Marani Michel Foucault Marani Theodor Adorno Marani Walter Benjamin Marani Hannah Arendt Marani Jacques Derrida Marani Jacques Lacan Marani Slavoj Zizek Marani Fredric Jameson Marani Sigmund Freud Marani Carl Jung Marani Martin Heidegger Marani Jean Paul Sartre Marani Albert Camus Marani Virginia Woolf Marani Ezra Pound Marani Anton Chekhov Marani T S Eliot Marani James Joyce Marani Marcel Proust Marani Franz Kafka Marani Igor Stravinsky Marani Maurice Ravel Marani Claude Debussy Marani Gyorgy Ligeti Marani Pierre Boulez Marani Harrison Birtwistle Marani Luciano Berio Marani Luigi Nono Marani Elliott Carter Marani Karlheinz Stockhausen Marani John Cage Marani Morton Feldman Marani Alexander Scriabin Marani Gustav Mahler Marani Richard Strauss Marani Richard Wagner Marani Pablo Picasso Marani Oskar Kokoschka Marani Arnold Schoenberg Marani Wassily Kandinsky Ma rani Gustav Klimt Marani Anton Webern Marani Alban Berg Marani Piet Mondrian Marani Paul Klee Marani Jackson Pollock Marani Mark Rothko Marani Franz Marc Marani Kurt Weill Marani Bertold Brecht Marani Samuel Beckett Marani Jorge Luis Borges Marani Joseph Conrad Marani Harold Bloom Marani Terry Eagleton Marani Bela Bartok Marani Herman Hesse Marani Thomas Mann Marani Italo Calvino Marani Douglas Hofstadter Marani Erik Satie Marani Boris Pasternak Marani Vladimir Nabokov Marani Vladimir Propp Marani Mikhail Bakhtin Marani Roman Jakobson Marani Konstantin Stanislavsky Marani Emmanuel Levinas Marani Ludwig Wittgenstein Marani Jürgen Habermas Marani Karl Popper Marani Marani English,Marani Italiano,Marani Français,Marani Русский,Marani 日本語,MaraniEspañol,Marani Nederlands,Marani Português,Marani Polski,Marani Deutsch English A group for people that whant to know more about and share knolege about Marcel Duchamp and have funn in life. Marcel Duchamp was born in Blainville-Crevon Seine-Maritime in the Haute-Normandie Region of France, and grew up in a family that liked cultural activities. The art of painter and engraver Emile Nicolle, his maternal grandfather, filled the house, and the family liked to play chess, read books, paint and make music together. The Duchamp brothers: Marcel Duchamp, Jacques Villon and Raymond Duchamp-Villon. (Smithsonian Institution collections.)Of Eugene and Lucie Duchamp's seven children, one died as an infant and four became successful artists. Marcel Duchamp was the brother of: Jacques Villon (1875-1963), painter, printmaker Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), sculptor Suzanne Duchamp-Crotti (1889-1963), painter As a child, with his two older brothers already away from home at school in Rouen, Duchamp was closer to his sister Suzanne who was a willing accomplice in the games and activities conjured from his fertile imagination. At 10 years old, Duchamp followed in his brothers' footsteps when he left home and began schooling at Lycée Corneille in Rouen. For the next 7 years he was locked into an educational regime which focused on intellectual development. Though he was not an outstanding student, his best subject was mathematics, and he won two mathematics prizes at the school. He also won a prize for drawing in 1903, and at his commencement in 1904 he won a coveted first prize validating his recent decision to become an artist. He took drawing classes and learned academic drawing from a teacher, who unsuccessfully attempted to protect his students from Impressionism, Post-Impressionism and other avant-garde influences. However, Duchamp's artist mentor was his brother Jacques Villon, whose fluid and incisive style he sought to imitate. At 14, his first serious art attempts were drawings and watercolors depicting Suzanne Duchamp in various poses and activities. That summer he also painted landscapes in an Impressionist style using oils. [edit] Early work Duchamp's early art works align with Post-Impressionist styles. He experimented with classical techniques and subjects, as well as Cubism and Fauvism. When he was later asked about what influenced him at the time, Duchamp cited the work of Symbolist painter Odilon Redon, whose approach to art was not outwardly anti-academic, but quietly individual. He studied art at Académie Julian (1904 to 1905), but preferred playing billiards to attending classes. During this time Duchamp drew and sold cartoons which reflected his ribald humor. Many of the drawings use visual and/or verbal puns. Such play with words and symbols engaged his imagination for the rest of his life. In 1905 he began his compulsory military service working for a printer in Rouen. There he learned typography and printing processes – skills he would use in his later work. Due to his brother Jacques Villon's membership in the prestigious Académie royale de peinture et de sculpture Duchamp's work hung in the 1908 Salon d'Automne. The following year his work displayed in the Salon des Indépendants. Of Duchamp's pieces in show, critic Guillaume Apollinaire wrote, "... Duchamp's very ugly nudes...", though the two were to become friends. He also became life-long friends with exuberant artist Francis Picabia after meeting him at the 1911 Salon d' Automne, and Picabia proceeded to introduce him the life of fast cars and 'high' living. In 1911 at his eldest brother Jacques Villon's home in Puteaux the Duchamp brothers hosted regular discussion group with other artists and writers including Francis Picabia, Robert Delaunay, Fernand Léger, Roger de la Fresnaye, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, and Alexander Archipenko. The group came to be known as the Puteaux Group, and the artists' work dubbed Orphic cubism. Uninterested in the Cubists' seriousness and their focus on visual matters, he did not join Cubist theory conversations, and gained a reputation of being shy. However, that same year he painted in a Cubist style and added his impression of movement by repeating imagery. During this period Duchamp's fascination with transition, change, movement and distance began to manifest, and like many artists of the time he was intrigued with the concept of the 4th dimension and depicting it. Works from this period included his first "machine" painting, Coffee Mill (Moulin à café) (1911), which he gave to his brother Raymond Duchamp-Villon. The Coffee Mill shows similarity to the "grinder" mechanism of the Large Glass he was to paint years later. In his 1911 Portrait of Chess Players (Portrait de joueurs d'echecs) there is the Cubist overlapping frames and multiple perspectives of his two brothers playing chess, but to that Duchamp added elements conveying the unseen mental activity of the players. (Notably, "échec" is French for "failure".) Marcel Duchamp. Nude Descending a Staircase, No. 2 (1912). Oil on canvas. 57 7/8" x 35 1/8". Philadelphia Museum of Art. [edit] Nude Descending a Staircase No.2 Main article: Nude Descending a Staircase, No. 2 Duchamp's first controversial work, Nude Descending a Staircase, No. 2 (Nu descendant un escalier n° 2) (1912), depicts the motion of the mechanistic nude with superimposed facets, similar to motion pictures. The painting shows elements of both the fragmentation and synthesis of the Cubists, and the movement and dynamism of the Futurists. He first submitted the piece to appear at the Cubist Salon des Indépendants, but jurist Albert Gleizes asked Duchamp's brothers to have him voluntarily withdraw the painting, or paint over the title that he had painted on the work and rename it something else. His brothers did approach him with Gleizes' request, and Duchamp quietly refused. Of the incident Duchamp later recalled, "I said nothing to my brothers. But I went immediately to the show and took my painting home in a taxi. It was really a turning point in my life, I can assure you. I saw that I would not be very much interested in groups after that." Later he submitted the painting to the 1913 Armory Show in New York City—officially the International Exhibition of Modern Art—which displayed works of American artists and was the first major exhibition of the modern trends coming out of Paris. American show-goers, accustomed to realistic art, were scandalized, and the Nude was at the center of much of the controversy. [edit] Leaving "retinal art" behind About this time Duchamp read Max Stirner's philosophical tract, The Ego and Its Own, the study of which he considered another turning point in his artistic and intellectual development. He called it "...a remarkable book ... which advances no formal theories, but just keeps saying that the ego is always there in everything." Duchamp also credited the stage adaptation of Raymond Roussel's 1910 novel, Impressions d'Afrique which featured plots that turned in on themselves, word play, surrealistic sets and humanoid machines with radically changing his approach to art, and inspiring him to begin his creation of The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even (The Large Glass). While in Germany in 1912 he painted the last of his Cubist-like paintings and a "bride stripped bare by her bachelors" image, and began making plans for the Large Glass — scribbling short notes to himself, sometimes with hurried sketches, but it would be over 10 years before the piece was completed. Little else is known about the two-month stay in Germany except that the friend he visited was intent to show him the sights and the night life. Later that year he travelled with Picabia, Apollinaire and Gabrielle Buffet-Picabia through the Jura mountains, an adventure that Buffet-Picabia described as one of their "forays of demoralization, which were also forays of witticism and clownery ... the disintegration of the concept of art." Duchamp's notes from the trip avoid logic and sense with a sort of surrealistic mythical flavor. Duchamp painted few canvases after 1912, and in those he did, he attempted to remove "painterly" effects, and instead used a technical drawing approach. His broad interests took him to an exhibition of aviation technology during this period, and about it Duchamp said to his friend Constantin Brancusi, "Painting is washed up. Who will ever do anything better than that propellor? Tell me, can you do that?" Brancusi later sculpted bird forms that U.S. Customs officials mistook for aviation parts and for which they attempted to collect import duties. During this decade Duchamp began working as a librarian in the Bibliotèque Sainte-Geneviève where he earned a living wage and withdrew from painting circles into scholarly realms. He studied math and physics – areas where exciting new discoveries were taking place. The theoretical writings of Henri Poincaré particularly intrigued and inspired Duchamp. Poincaré postulated that the laws believed to govern matter were created solely by the minds that "understood" them and no theory could be considered "true." "The things themselves are not what science can reach..., but only the relations between things. Outside of these relations there is no knowable reality", Poincaré wrote in 1902. Duchamp's own art-science experiments began during his tenure at the library. To make one of his favorite pieces, 3 Standard Stoppages (3 stoppages étalon), one at a time from a height of 1 meter, he dropped three 1-meter lengths of thread onto a prepared canvases. They landed in three random undulating positions. He varnished them into place on the blue-black canvas strips and attached them to glass. Then he cut three wood slats into the shapes of the curved strings, and put all the pieces into a croquet box. Three small leather signs with the title printed in gold were glued to each of the "stoppage" backgrounds. The piece appears to literally follow Poincaré's School of the Thread, part of a book on classical mechanics. Work on The Large Glass continued into 1913 with his invention of inventing a repertoire of forms with notes, sketches and painted studies, and even drawing some of his ideas on the wall of his apartment. In his studio he mounted a bicycle wheel upside down onto a stool, spinning it occasionally just to watch it. Later he denied that its creation was purposeful, though it has come to be known as the first of his readymades. "I enjoyed looking at it", he said. "Just as I enjoy looking at the flames dancing in the fireplace." Meanwhile, Nude Descending a Staircase No. 2 was scandalizing Americans at the Armory Show, and the sale of all four of his paintings in the show financed his trip to America in 1915. After World War I was declared in 1914, with his brothers and many friends in military service and himself exempted, Paris felt uncomfortable to Duchamp. He decided to emigrate to the then neutral United States. To his surprise he found he was a celebrity when he arrived in New York in 1915 where he quickly befriended art patron Katherine Dreier and artist Man Ray. Duchamp's circle also included art patrons Louise and Walter Conrad Arensberg, actress and artist Beatrice Wood and his friend Francis Picabia, as well as other avant-garde figures. Though he spoke little English in the course of supporting himself by giving French lessons and some library work, he quickly learned the language. For two years the Arensbergs who remained his friends and patrons for 42 years were the landlords to his studio with payment to be The Large Glass. He turned down an offer of $10,000 per year for all of his yearly production made by an art gallery preferring to work on The Large Glass. [edit] Société Anonyme For Duchamp creating Société Anonyme in 1920, along with Katherine Dreier and Man Ray, was the beginning of his life-long involvement in art dealing and collecting. The group collected modern art works, and arranged modern art exhibitions and lectures into the 1930s. By this time Walter Pach, one of the coordinators of the 1913 Armory Show, sought Duchamp's advice on modern art, and beginning with Société Anonyme Dreier depended on his counsel in gathering her collection, as did Arensberg. Later Peggy Guggenheim, Museum of Modern Art directors Alfred Barr and James Johnson Sweeney consulted with Duchamp on their modern art collections and shows. [edit] Dada Fountain by Marcel Duchamp, 1917, photograph by Alfred Stieglitz.New York Dada had a less serious tone than that of Europe, and was not a particularly organized venture. Duchamp's friend Picabia connected with the Dada group in Zürich, bringing to New York the Dada ideas of absurdity and anti-art. Together with Man Ray and many from the group that met almost nightly at the Arensberg home or caroused in Greenwich Village, Duchamp contributed his ideas about art and his humor to the New York activities, much of which ran concurrent with the development of readymades and The Large Glass. (See also found art.) Duchamp and Dada are most often connected by his submission of Fountain, a urinal, to the Society of Independent Artists exhibit in 1917. The Independent Artists shows were unjuried and all pieces that were submitted were displayed. However, the show committee said that Fountain was not art and rejected it from the show causing an uproar amongst the Dadaists and led Duchamp to resign from the board of the Independent Artists.[3] Along with Henri-Pierre Roché and Beatrice Wood, Duchamp published New York's Dada's magazine, The Blind Man which included art, literature, humor and commentary. Back in Paris after World War I, Duchamp did not participate in the Dada group. [edit] Readymades Bicycle Wheel by Marcel Duchamp (1913)Main article: Readymades of Marcel Duchamp In 1915 Duchamp began doing his "readymades" — found objects he chose and presented as art. He assembled the first readymade, a bicycle wheel mounted on a stool, in 1913 about the same time as his Nude Descending A Staircase was attracting the attention of critics at the International Exhibition of Modern Art, though it wasn't until two years later he called it a readymade. Bottle Rack (1914), a bottle drying rack signed by Duchamp, is considered to be the first "pure" readymade. Prelude to a Broken Arm (November 1915), a snow shovel, followed soon after. In 1919, Duchamp made a Mona Lisa parody by adorning a cheap reproduction with a moustache and a goatee, as well as adding the rude inscription L.H.O.O.Q., when read out loud in French sounds like "Elle a chaud au cul" (translating to "she has a hot ass" as a manner of implying the woman in the painting is in a state of sexual excitement and availability). This was intended as a Freudian joke, referring to Leonardo da Vinci's alleged homosexuality. According to Rhonda Roland Shearer, the apparent reproduction is in fact a copy partly modelled on Duchamp's own face.[4] His Fountain, the urinal signed with the pseudonym R. Mutt that shocked the art world in 1917, was selected in 2004 as "the most influential artwork of the 20th century" by 500 renowned artists and historians.[5] It is necessary to arrive at selecting an object with the idea of not being impressed by this object on the basis of enjoyment of any order. However, it is difficult to select an object that absolutely does not interest you, not only on the day on which you select it, and which does not have any chance of becoming attractive or beautiful and which is neither pleasant to look at nor particularly ugly. (Marcel Duchamp) Research published in 1997 by Rhonda Roland Shearer speculates that Duchamp's "found" objects may actually have been created by Duchamp. (See Readymades of Marcel Duchamp.) [edit] The Large Glass Main article: The Large Glass The Large Glass (1915-23) Philadelphia Museum of Art CollectionDuchamp carefully created The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even (The Large Glass), working on the piece from 1915 to 1923 except when he was in Buenos Aires and Paris in 1918-1920. He executed the work on two panes of glass with materials such as lead foil, fuse wire, and dust. It combines chance procedures, plotted perspective studies, and laborious craftsmanship. His notes for the piece, published as The Green Box, reflect the creation of unique rules of physics, and myth which describes the work, and describe that his "hilarious picture" is intended to depict the erratic encounter between a bride, and her nine bachelors. Until 1969 when the Philadelphia Museum of Art revealed his Etant donnés tableau, The Glass was thought to be his last major work. [edit] Kinetic works Duchamp's interest in kinetic works shows as early as the notes for The Large Glass and the Bicycle Wheel readymade, and despite losing interest in "retinal art" he retained interest in visual phenomena. In 1920, with help from Man Ray, Duchamp built what has come to be known as Rotary Glass Plates (Precision Optics) (Rotative plaque de verre). The piece, which he did not consider art, involved a motor to spin pieces of rectangular glass on which were painted segments of a circle. When the apparatus spins, the circle segments appear to be closed concentric circles. (Animation of Rotary Glass Plates) Man Ray set up to photograph the initial experiment, but when they turned the machine on for the second time, a belt broke, caught a piece of the glass which after glancing off of Man Ray's head, crashed into bits. [6] After moving back to Paris in 1923, at André Breton's urging and the financing of Jacques Doucet, he built another optical device based on the first one - Rotary Demisphere (Precision Optics). This time the optical element was a globe cut in half with black concentric circles painted on it. When it spins the circles appear to move backwards and forwards in space. Duchamp asked that Doucet not exhibit the apparatus as art. [7] Rotoreliefs were the next phase of Duchamp's spinning works. To make the optical "play toys" he painted designs on flat cardboard circles and spun them on a phonographic turntable that when spinning the flat disks appeared 3-dimensional. He had a printer run off 500 sets of six of the designs and set up a booth at a 1935 Paris inventors' show to sell them. The venture was a financial disaster, but some optical scientists thought they might be of use in restoring 3-dimensional sight to people with one eye. [8] (Animated display of the Rotoreliefs) In collaboration with Man Ray and Marc Allégret, Duchamp filmed early versions of the Rotoreliefs and they named the film Anémic Cinéma (1926). Later, in Alexander Calder's studio in 1931, while looking at the sculptor's kinetic works Duchamp suggested that he call them "mobiles" which Calder did for his upcoming show. To this day this type of sculpture is called "mobiles".[9] [edit] Rrose Sélavy Rrose Sélavy (Marcel Duchamp). 1921. Photograph by Man Ray. Art Direction by Marcel Duchamp. Silver print. 5-7/8" x 3"-7/8". Philadelphia Museum of Art.Main article: Rrose Sélavy Rrose Sélavy, also spelled Rose Sélavy, was one of Duchamp's pseudonyms. The name, a pun, sounds like the French phrase "Eros, c'est la vie", which translates to English as "Eros, such is life". It has also been read as "arroser la vie" ("to make a toast to life"). Sélavy emerged in 1921 in a series of photographs by Man Ray of Duchamp dressed as a woman. Through the 1920s Man Ray and Duchamp collaborated on more photos of Sélavy. Duchamp later used the name as the byline on written material and signed several creations with it. Duchamp used the name in the title of at least one sculpture, Why Not Sneeze Rrose Sélavy?. The sculpture, a type of readymade called an assemblage, consists of an oral thermometer, a couple dozen small cubes of marble resembling sugar cubes inside a birdcage. The inspiration of the name Rrose Sélavy has been viewed to be Belle da Costa Greene, J.P. Morgan's librarian of The Morgan Library & Museum (formerly The Pierpont Morgan Library) who, following his death, became the Library's director, working there for a total of forty-three years. Empowered by J.P. Morgan, and then by his son Jack, Greene built the collection buying and selling rare manuscripts, books and art.[citation needed] [edit] Turns from art to chess In 1918 Duchamp left his work on the Large Glass and the art scene, and went to Buenos Aires, Argentina, for nine months where he often played chess, and carved from wood the only chess set he himself made, though a local craftsman made the knights. He returned to Paris in 1919, where he lived until he returned to the United States in 1920. By the time he moved to Paris in 1923 he was no longer a practicing artist. Instead he played and studied chess, which he played for the rest of his life to the near exclusion of all other activity. Duchamp's obsessive fascination with chess can be traced back much earlier to the themes of his major art pieces. The most immediately obvious of these is the chess position known as "trébuchet" (the trap), which gave its title to the Readymade of 1917: a coat rack with four hooks, which is nailed to the floor, hooks uppermost. Not only did he design the 1925 Poster for the Third French Chess Championship, but he finished the event at fifty percent (3-3, with two draws), and thus earned the title of chess master. During this period his fascination with chess distressed his first wife so much that she glued his pieces to the board, which possibly contributed to their divorce four months later. He went on to play in the French Championships and also in the Olympiads from 1928-1933, favoring hypermodern openings like the Nimzo-Indian. Sometime in the early 1930s, Duchamp realized that he had reached the height of his ability and had no real chance of winning recognition in top-level chess. Over the following years, the intensity of his participation in chess tournaments declined but he discovered correspondence chess and became a chess journalist writing weekly newspaper columns. In 1932 Duchamp teamed up with fellow chess theorist Halberstadt to publish "L'opposition et cases conjuguées sont réconciliées" (Opposition and Sister Squares are Reconciled). This treatise describes the Lasker-Reichhelm position, a unique and extremely rare position that can arise in the endgame of a chess game. In conclusion, the authors observe that the most Black can hope for is a draw. Given accurate play by White, Black can only succeed in delaying the progress of events, ultimately losing to White. They demonstrate this fact by plotting the game play on enneagram-like charts that fold in upon themselves. Grasping the central theme of this work, the endgame, is an important key to understanding Duchamp's complex attitude towards his artistic career. While his contemporaries were achieving spectacular success in the art world by selling their visions to high society collectors and trend setters, Duchamp observed "I am still a victim of chess. It has all the beauty of art - and much more. It cannot be commercialized. Chess is much purer than art in its social position." Duchamp can be seen, very briefly, playing chess with Man Ray in the short film Entr'acte (1924) by Rene Clair. His theme of the endgame was picked up by Irish playwright Samuel Beckett who used it as the narrative device for his commercially successful 1957 play of the same name, "Endgame". One of Duchamp's most notable chess games occurred in 1968, at a concert called "Reunion" at Ryerson University in Toronto. His opponent was the avant-garde composer and event organizer John Cage. The music was produced by a series of photoelectric cells underneath each square of the chessboard which were sporadically triggered during normal game play.[10] On choosing a career in chess Duchamp had this to say: "If Bobby Fischer came to me for advice, I certainly would not discourage him - as if anyone could - but I would try to make it positively clear that he will never have any money from chess, live a monk-like existence and know more rejection than any artist ever has, struggling to be known and accepted." Duchamp left a legacy to chess in the form of an enigmatic endgame problem he composed in 1943. The problem was included in the announcement for Julian Lev's gallery exhibition "Through the Big End of the Opera Glass", printed on translucent paper with the faint inscription: "White to play and win." Grandmasters and endgame specialists since have grappled with the problem, with most concluding that there is no solution.[11] [edit] Artistic involvement and marriages Though Duchamp was no longer a practicing artist he continued to consult with artists, art dealers and collectors, but as far as most people knew at the time he did not produce art. From 1925 he often travelled to and from France and the United States, and made New York's Greenwich Village his home in 1942. On 8 June 1927, Duchamp married Lydie Sarazin-Lavassor, and they divorced six months later on 25 January 1928. It was gossiped at the time that it was a marriage of convenience for Duchamp, because she was the daughter of a wealthy automobile manufacturer. Early in January 1928 Duchamp told Lydie that he could no longer bear the responsibility and confinement of marriage, and a little over three weeks later they were divorced. [12] From the mid-1930s onwards he collaborated with the Surrealists and participated in their exhibitions. However, he did not join the movement despite André Breton's coaxing. From then until 1944, together with Max Ernst, Eugenio Granell and Breton, he edited the Surrealist periodical VVV, and also served as an advisory editor for View magazine which featured him in its March 1945 edition which introduced him to many Americans. In 1954, he and Alexina "Teeny" Sattler married, and they remained together until his death. Duchamp became a United States citizen in 1955 but his influence on the art world remained behind the scenes until the late 1950s when he was "discovered" by young artists such as Robert Rauschenberg and Jasper Johns who were eager to escape the dominance of Abstract Expressionism. Interest in Duchamp reignited in the 1960s, and he gained international public recognition. 1963 saw his first retrospective exhibition at the Pasadena Art Museum, and in 1966 the Tate Gallery hosted a large exhibit of his work. Other major institutions, including the Philadelphia Art Museum and the Metropolitan Museum of Art, followed with large showings of Duchamp's work. He was invited to lecture on art and participate in formal discussions, as well as sitting for interviews with major publications. The last surviving member of the Duchamp family of artists, in Rouen in 1967 Duchamp helped organize an exhibition called "Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp." Some of this family exhibition was later shown at the Musée National d'Art Moderne in Paris. [edit] Exhibition design 1938 - The International Surrealist Exhibition was held at the Beaux-arts Gallery, Paris with more than 60 artists from different countries, showing around 300 paintings, objects, collages, photographs and installations. The surrealists wanted to create an exhibition which in itself would be a creative act and called on Duchamp to do so. At the exhibition's entrance he placed Salvador Dalí's Rainy Taxi (an old taxi rigged to produce a steady drizzle of water down the inside of the windows, and a shark-headed creature in the driver's seat and a blond mannequin crawling with live snails in the back) greeted the patrons who were in full evening dress. Surrealist Street filled one side of the lobby with mannequins dressed by various surrealists. He designed the main hall to seem like subterranean cave with 1,200 coal bags suspended from the ceiling over a coal brazier with a single light bulb which provided the only lighting,[1] so patrons were given flashlights with which to view the art. Wolfgang Paalens installation underneath was composed of limp oak leaves and a water-filled pond with actual water lilies and reed, and the aroma of roasting coffee filled the air. Around midnight in the crazy gleam of the pale light cones the visitors witness the dancing shimmer of a sparsely dressed girl who suddenly arises from the reed, jumps on the bed, abruptly lapses into a hysterical shriek - an idea of Dali -, and disappears just as quickly. Much to the surrealists' satisfaction the exhibition scandalized the viewers. 1942 - For the First Papers of Surrealism show in New York, surrealists again called on Duchamp to design the exhibition. This time he wove a 3-dimensional web of string throughout the rooms of the space, in some cases making it almost impossible to see the works.[2] He made a secret arrangement with an associate's son to bring his friends to the opening of the show, so that when the finely dressed patrons arrived they found a dozen children in athletic clothes kicking and passing balls, and skipping rope. His design for the show's catalog included "found", rather than posed, photographs of the artists. [edit] Etant donnés Main article: Etant donnés Duchamp's final major art work surprised the art world that believed he'd given up art for chess 25 years earlier. Given: 1 The Waterfall, 2. The Illuminating Gas (Etant donnés: 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage) is a tableau, visible only through a peep hole in a wooden door,[3] of a nude woman lying on her back with her face hidden, legs spread and one hand holding a gas lamp in the air against a landscape backdrop.[4] Duchamp worked secretly on the piece from 1946 to 1966 in his Greenwich Village studio while even his closest friends thought he had abandoned art. [edit] Death and burial Marcel Duchamp died on 2 October 1968 in Neuilly-sur-Seine, France and is buried in the Rouen Cemetery, in Rouen, Normandy, France. His grave bears the epitaph, "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent;" or "Besides, it's always other people who die." [edit] Legacy Duchamp is usually considered to have a negative attitude to later artists who developed the ideas he had initiated, because of this quote which is widely attributed to him: This Neo-Dada, which they call New Realism, Pop Art, Assemblage, etc., is an easy way out, and lives on what Dada did. When I discovered the ready-mades I sought to discourage aesthetics. In Neo-Dada they have taken my readymades and found aesthetic beauty in them, I threw the bottle-rack and the urinal into their faces as a challenge and now they admire them for their aesthetic beauty. However, it had actually been written in a letter to him in 1961 by fellow Dadaist Hans Richter, but in the second person not the first, i.e. "You threw... etc". In the margin next to it, Duchamp had written, "Ok, ça va très bien" ("that's really fine"). Richter did not make this clear for many years.[13] Duchamp's attitude is actually far more favourable as his words in 1964 evidence: Pop Art is a return to "conceptual" painting, virtually abandoned, except by the Surrealists, since Courbet, in favour of retinal painting... If you take a Campbell soup can and repeat it 50 times, you are not interested in the retinal image. What interests you is the concept that wants to put 50 Campbell soup cans on a canvas. Perhaps in tribute, surrealist Salvador Dalí wrote a preface to Pierre Cabanne's Dialogues with Marcel Duchamp, a transcription of interviews between Cabanne and Duchamp. In it, Dalí oddly writes "Marcel Duchamp spoke to me, during the course of the Second World War (traveling between Arcachon and Bordeaux) of a new interest in the preparation of shit, of which the small excretions from the navel are the "deluxe" editions. To this I replied that I wished to have genuine shit, from the navel of Raphael. Today Pop artist Verona sells artists' shit in very sophisticated packaging as a luxury item." [14],[15] A testimony to the influence of Duchamp's work and the mark he left on the art world, in December 2004, Duchamp's Fountain was voted the most influential artwork of the 20th century by 500 well-established artists and critics in the British art world.[5] The Marcel Duchamp Prize (in French: Prix Marcel Duchamp) is an annual award given to a young artist by Centre Georges Pompidou. In April 2008 British artist James Robert Ford exhibited a solo show of his work at FERREIRA PROJECTS, London, entitled Duchamp played Chess; I Made Cranes, in reference to Duchamp's (supposed) abandonment of art for chess ITALIANO « Fino a cento anni fa la pittura è stata tutta al servizio della mente. Questa caratteristica è venuta perdendosi a poco a poco nel corso dell'ultimo secolo. » (Marcel Duchamp) « Non c'è soluzione perché non c'è problema. » (Marcel Duchamp) « Mi sono costretto a contraddirmi più volte per evitare di conformare i miei stessi gusti. » (Marcel Duchamp) La ruota di biciclettaMarcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 luglio 1887 – Neuilly-sur-Seine, 2 ottobre 1968) è stato un pittore, scultore e scacchista francese, naturalizzato statunitense nel 1955. Considerato fra i più importanti e influenti artisti del XX secolo, nella sua lunga attività si occupò di pittura (attraversando le correnti del fauvismo e del cubismo), fu animatore del dadaismo e del surrealismo, e diede poi inizio all'arte concettuale, ideando il ready-made e l'assemblaggio. Biografia Marcel Duchamp nei panni di Rrose Selavy, fotografato da Man RayNell'anno 1913 incontrò il fotografo e pittore americano Man Ray: la loro amicizia durerà tutta la vita. L'anno successivo fondò con i mecenati Katherine Dreier e Walter Arensberg la Society of Independent Artists. Nel 1918 si trasferì a Buenos Aires dove rimase fino alla metà dell'anno seguente; nel 1923 tornò a Parigi. A partire dal 1923, Duchamp diradò progressivamente la produzione artistica, e per dieci anni si occupò quasi esclusivamente di scacchi, arrivando ad alti livelli (fu capitano della squadra olimpica francese, nella quale giocava anche il campione del mondo Alexander Alekhine). Decise di stabilirsi definitivamente a New York nel 1942. Nel 1954 sposò Alexina "Teeny" Sattler Matisse, che gli rimarrà accanto per tutta la vita. L'opera [modifica] Il poeta messicano Octavio Paz ha mirabilmente riassunto l'essenza dell'attività di Duchamp: "le tele di Duchamp non raggiungono la cinquantina e furono eseguite in meno di dieci anni: infatti abbandonò la pittura propriamente detta quando aveva appena venticinque anni. Certo, continuò "a dipingere", ma tutto quello che fece a partire dal 1913 si inserisce nel suo tentativo di sostituire la "pittura-pittura" con la "pittura-idea". Questa negazione della pittura che egli chiama olfattiva e retinica (puramente visiva) fu l'inizio della sua vera opera. Un'opera senza opere: non ci sono quadri se non il Grande Vetro (il grande ritardo), i ready-mades, alcuni gesti e un lungo silenzio". La pittura « Il futurismo era l'impressionismo del mondo meccanico. [...] A me questo non interessava. [...] Volevo far sì che la pittura servisse ai miei scopi e volevo allontanarmi dal suo lato fisico. A me interessavano le idee, non soltanto i prodotti visivi. Volevo riportare la pittura al servizio della mente [...] Di fatto fino a cento anni fa tutta la pittura era stata letteraria o religiosa: era stata tutta al servizio della mente. Durante il secolo scorso questa caratteristica si era persa poco a poco. Quanto più fascino sensuale offriva un quadro - quanto più era animale - tanto più era apprezzato. La pittura non dovrebbe essere solamente retinica o visiva; dovrebbe aver a che fare con la materia grigia della nostra comprensione invece di essere puramente visiva [...] Per approccio retinico intendo il piacere estetico che dipende quasi esclusivamente dalla sensibilità della retina senza alcuna interpretazione ausiliaria. Gli ultimi cento anni sono stati retinici. Sono stati retinici perfino i cubisti. I surrealisti hanno tentato di liberarsi da questo e anche i dadaisti, da principio. [...] Io ero talmente conscio dell'aspetto retinico della pittura che, personalmente, volevo trovare un altro filone da esplorare. » Se Duchamp avesse realizzato solo le tele dipinte prima del Grande Vetro, si sarebbe abbondantemente guadagnato un ruolo di primo piano nella storia delle avanguardie storiche. Dopo una giovinezza influenzata dall'impressionismo, nel 1911, a ventiquattro anni realizzò i notevoli Corrente d'aria sul melo del Giappone, Giovane e fanciulla in primavera e Macinino da caffè, di gusto fauve. I celebri dipinti del 1912: Nudo che scende una scala, Il passaggio dalla vergine alla sposa, Sposa, La sposa messa a nudo dagli scapoli, segnano un passaggio importantissimo nella storia del cubismo e del futurismo, per lo studio del movimento, e allo stesso tempo chiudono definitivamente l'esperienza di Duchamp con la pittura comunemente intesa. Le tele "in movimento" (culminate nel Nudo che scende una scala, n. 2) potrebbero essere etichettate come futuriste, ma il contatto di Duchamp con questi artisti fu nullo, e l'unica ispirazione dichiarata era la cronofotografia di Eadweard Muybridge. Il trattamento del movimento nel futurismo era infatti ben lontano dagli obiettivi di Duchamp, che virò ben presto verso la Sposa e il suo mondo. Il resto dell'opera grafica sarà rivolto a schemi, disegni e studi per elementi del Grande Vetro, o variazioni sullo stesso tema (la Macinatrice di cioccolato (1913), Cols alités (1959), Il Grande Vetro completato (1965)), ai disegni degli ultimi due anni, e a clamorosi gesti di "ritocco" come i baffi affibbiati alla Monna Lisa di L.H.O.O.Q. (1919). Un'esperienza emblematica del valore della casualità nel pensiero dell'artista potrebbe considerarsi 3 stoppages étalon (3 rammendi tipo) del 1913 che esprime appunto l'uso pianificato e incondizionato di un procedimento aleatorio. In essa 3 fili di un metro ciascuno vennero fissati per sempre, mediante lacca, nelle tre diverse curve che essi assunsero, naturalmente e casualmente, una volta lasciati cadere da un metro d'altezza su di una superficie di stoffa blu. Quelle tre curve costituirono il profilo di altrettante sagome in legno conservate come "campioni" metrici: una unità di misura fissata per sempre da un evento istantaneo e casuale. Come sempre, il più vasto e completo materiale interpretativo su Duchamp è fornito da Duchamp stesso, che durante la sua vita lavorò spesso a stretto contatto con i critici impegnati nel decifrare le sue opere, dispensando indizi e suggerimenti ambigui. A questi si aggiungono, nelle interviste, numerose prese di posizione estremamente nette riguardo al concetto di arte e alla pittura: tra le più famose, il rifiuto della pittura "retinica" o "olfattiva" (con riferimento all'odore di trementina) puramente superficiale, nata dall'impressionismo e proseguita con le avanguardie storiche cubiste e futuriste. Il Grande Vetro [modifica] « Il Grande Vetro è la più importante opera singola che abbia mai fatto » (Marcel Duchamp) A partire dal 1915, Duchamp lavorò a La Sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche (traduzione di La Mariée mise à nu par ses célibataires, même), chiamato anche Grande Vetro: questo "quadro" è formato da due enormi lastre di vetro (277 x 176 cm) che racchiudono lamine di metallo dipinto, polvere, e fili di piombo. Nel 1923, lo lasciò "definitivamente incompiuto". Il Vetro contiene e sviluppa tutta l'attività passata e futura di Duchamp, e nel tempo ha dato origine a una tale quantità di interpretazioni da farlo ritenere una delle opere più complesse e affascinanti di tutta la storia dell'arte occidentale. Durante un trasporto, subì dei danni consistenti, ma l'artista decise di non riparare l'opera proprio per dimostrare di accettare, complice del caso, la completa riassunzione-integrazione nell'opera del suo carattere inerziale di "cosa". Dal 1954, è conservato al Philadelphia Museum of Art. La sua descrizione comincia dal nome: Duchamp prescrive di non chiamarlo "quadro", ma "macchina agricola", "mondo in giallo" o "ritardo in vetro". Se la seconda denominazione ha dato adito alle più disparate interpretazioni, la "macchina agricola" è un attributo facilmente riconoscibile, dalla "fioritura arborea" della Sposa ai complessi meccanismi di trebbiatura dell'"apparecchio scapolo". Tutta la complessa attività del Grande Vetro è descritta in dettaglio dallo stesso Duchamp, (anche se in forma frammentaria, ermetica e allusiva) nelle due raccolte di appunti, la Scatola verde e la Scatola bianca. L'apparecchio scapolo La parte inferiore del Vetro è composta da un complesso meccanismo costituito dal mulino ad acqua, dalle forbici, dai setacci, dalla macinatrice di cioccolato e dai testimoni oculisti. Sopra il mulino è situato il "cimitero delle livree e delle uniformi", dove i nove stampi maschi rappresentano le diverse identità dello scapolo (Corazziere, Gendarme, Lacchè, Fattorino, Vigile, Prete, Impresario di pompe funebri, Capostazione, Poliziotto). Questo mondo inferiore è il regno del molteplice (i nove stampi), della complessità e della materia: tutti gli elementi sono rappresentati in una rigida prospettiva, che accentua l'effetto di corporeità delle lamine metalliche. Lo scapolo, al suono delle sue litanie, "macina da solo la sua cioccolata": è identificato col "gas illuminante", che subisce una serie di complicate trasformazioni e passaggi di stato, secondo una "fisica divertente", passando attraverso i vari ingranaggi dell'apparecchio. Interessante al proposito è l'autorevole interpretazione di Maurizio Calvesi sul contenuto Alchemico dell'opera. Fortuna di Duchamp e influenza sull'arte contemporanea [modifica] "Fontana" (1917)L'orinatoio Fontana (1917) e la Monna Lisa con baffi e pizzetto di L.H.O.O.Q. (1919), benché probabilmente travisati come semplici gesti iconoclasti, sono certamente tra gli oggetti più famosi dell'arte del XX secolo. L'influenza di Duchamp sugli artisti successivi, benché enorme e ingombrante, è molto mediata, tanto che non è facile riconoscere degli epigoni diretti. Di sicuro, il concetto di ready-made, insieme al problema del gesto dell'artista come "selettore" dell'oggetto d'arte, sono stati il punto di partenza per le varie forme di arte concettuale. Il ready-made è un comune manufatto di uso quotidiano (un attaccapanni, uno scolabottiglie, un orinatoio, ecc.) che assurge ad opera d'arte una volta prelevato dall'artista e posto così com'è in una situazione diversa da quella di utilizzo, che gli sarebbe propria. Il valore aggiunto dell'artista è l'operazione di scelta, o più propriamente di individuazione casuale dell'oggetto, di acquisizione e di isolamento dell'oggetto. Nulla più. Filmografia Anémic Cinéma Français Marcel Duchamp, né le 28 juillet 1887 à Blainville-Crevon, (Seine-Maritime) et mort à Neuilly-sur-Seine (actuellement Hauts-de-Seine) le 2 octobre 1968, est un peintre, un sculpteur et un plasticien franco-américain[1][réf. nécessaire], inventeur des ready-made. Biographie Fils du notaire de Blainville-Crevon, petit-fils d'Émile Frédéric Nicolle, homme d'affaires avisé et artiste, qui enseigna l'art à ses petits-enfants, Marcel Duchamp est issu d'une famille de six enfants, dont le sculpteur Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) et les peintres Jacques Villon (Gaston Duchamp, 1875-1963) et Suzanne Duchamp (1889-1963), mariée au peintre Jean Crotti. Marcel Duchamp a révolutionné la conception académique de l’art qui, jusqu'alors, ne juge la valeur d'une œuvre qu'à l'aune des efforts et du travail dispensés pour une finalité édifiante. L'hétérogénéité de ses moyens d'expression et la complexité de ses œuvres, de la peinture (Nu descendant un escalier en 1913), à l'installation plastique la plus hermétique (Étant donnés..., inachevée en 1966) en passant par l'objet « tout fait » décrété œuvre d'art par sa seule volonté, associées à sa constante revendication du « droit à la paresse », ne permettent de classer Duchamp dans aucun des mouvements artistiques du XXe siècle. Il a traversé le cubisme, le futurisme, Dada et le surréalisme en s'excluant de lui-même de tout courant. C’est auprès de ses frères, de sa sœur et de leurs amis qu’il entreprend son apprentissage de la peinture. À ses débuts, il fréquente principalement des artistes d’inspiration cubiste tels que Fernand Léger et Robert Delaunay, ou encore Albert Gleizes et Jean Metzinger, auteurs de l’ouvrage Du Cubisme qui pose les bases théorique du cubisme en 1912. Il est présent au côté du groupe de la Section d'or en 1912 à Paris pour une exposition à la galerie La Boétie. Marcel Duchamp, Jacques Villon et Raymond Duchamp vers 1912En 1913, aux États-Unis, les nouvelles recherches européennes sont présentées lors de l’exposition Armory show à New York. Le Nu descendant un escalier provoque hilarité et scandale. Cette œuvre dénote des tendances cubistes au futurisme de la « photo-dynamique ». Il s’écarte de la peinture, vers 1913-1915, avec les premiers ready-made, objets « tout faits » qu’il choisit pour leur neutralité esthétique : Roue de bicyclette (1913), Porte bouteille (1914), Fontaine (1917), un urinoir renversé sur lequel il y appose la signature « R. Mutt ». Cet objet est refusé par les organisateurs de l'Armory show. Il a pris un article ordinaire de la vie la plus prosaïque qui soit et l'a placé de manière à ce que sa signification d’usage disparaisse sous le nouveau titre et le nouveau point de vue. Réformé en 1914, il part à New York et entretient des liens avec Man Ray, Alfred Stieglitz et Francis Picabia avec qui il fonde la revue 291. Il eut un impact non négligeable sur le mouvement dadaïste, courant auquel on peut rattacher Mariée mise à nu par ses célibataires-mêmes (1912-1923). Marcel Duchamp à la fontaine Célèbre photo par Man Ray de Marcel Duchamp en Rrose Sélavy.Duchamp était préoccupé par le temps, la vitesse et la décomposition des mouvements. Ce qui l'a justement amené, en 1925, à faire du cinéma expérimental, appelé l'« Optical cinema », avec son unique film Anemic cinema (35 mm, noir et blanc de 7 min). Son film présente des plaques rotatives qui deviendront plus tard, en 1935, les Rotoreliefs. Ces plaques tournantes comportent des jeux optiques, des jeux de mots, et de la géométrie. À travers ses œuvres, Duchamp mène une réflexion sur la notion d’Art, sur l'esthétique, préparant ainsi ce qu'est l'art conceptuel. Le pop-art et le happening ont aussi fait de fréquents emprunts aux pratiques et démarches artistiques de Duchamp. Les écrits de Marcel Duchamp ont été publiés sous les titres Duchamp du signe (1958) et Marchand du sel (1958). Il fut également le créateur d'un personnage fictif, Rrose Sélavy, sculpteur et auteur d’aphorismes maniant la fausse contrepèterie et l’allitération. Son œuvre la plus riche et la plus étrange, à l’élaboration complexe, est la Mariée mise à nu par ses célibataires, même ou Grand Verre, réalisée sur panneau de verre (1915-1923, musée de Philadelphie). Le Grand Verre est l’aboutissement de plusieurs études préliminaires telles que Neuf moules mâlics (1914-1915) qui correspond à l’obsession d’une « vraie forme » invisible, obtenue par contact, afin de synthétiser toutes ses théories magiques et sa théorie de l’art comme « fait mental ». Réalisée à l’huile, feuille et fil de plomb, montée entre deux plaques de verre, cette étude fut fêlée lors de son transport en 1916, mais Marcel Duchamp refusa de la faire restaurer. Dans les dernières années de sa vie, Duchamp exécuta une œuvre pour le musée des Beaux-Arts de Philadelphie, Étant donnés : 1) La chute d’eau, 2) le gaz d’éclairage (1944-1968), environnement sculptural érotique, interdit, par sa volonté, à la vue du public. Marcel Duchamp fut aussi Satrape du Collège de Pataphysique en 1953 et devint membre de l'Oulipo en 1962. Il fut un excellent joueur d'échecs. Champion de Haute-Normandie en 1924, il participa plusieurs fois au championnat de France et fit partie de l'équipe de France à l'Olympiade d'échecs de la Haye (1928), Hambourg (1930), Prague (1931) et Folkestone (1933). Le 8 juin 1927, Duchamp épouse Lydie Sarazin-Levassor (1903-1988). Ils divorcent six mois plus tard, le 25 janvier 1928. La rumeur colportait que c’était, pour Duchamp, un mariage de convenance : Lydie Sarazin-Levassor était la petite-fille d’un riche constructeur automobile, Émile Levassor. Au début de janvier 1928, Duchamp dit à sa femme qu’il ne pouvait plus supporter les devoirs du mariage et son enfermement. Moins de trois semaines plus tard, ils divorçaient[2],[3] En deuxième noce, il épouse Teeny, la première épouse de Pierre Matisse, célèbre marchand d'art du Fuller Building de New York et fils du peintre Henri Matisse. Cette épitaphe est gravée sur sa tombe au cimetière de Rouen : « D’ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent. » Œuvres [modifier] Roue de bicyclette (1913) Fontaine (1917)Femme-cocher, 1907, dimension de l'oeuvre : 31,7x24,5cm La Broyeuse de chocolat, 1912 Le Roi et la Reine entourés de nus vites, 1912 Le Passage de la Vierge à la Mariée, 1912 Nu descendant un escalier, 1912 Roue de bicyclette, 1913 Trois stoppages étalon, 1913[4] In advance of the broken arm, pelle à neige, 1914 Apolinère Enameled, émail à la façon d'une réclame, 1914 Porte-bouteilles, 1914 La Broyeuse de chocolat N°2, 1914 Le Grand Verre, 1915-1923 Fontaine, urinoir renversé et signé « R. Mutt », 1917 L.H.O.O.Q., reproduction de La Joconde affublée d'une paire de moustache, 1919 Air de Paris, objet, 1919 Fresh widow, fenêtre aux carreaux teintés de noir, 1920 Rotative plaques verre (optique de précision), œuvre cinétique, 1920 Why not sneeze Rrose Selavy ?, boîte surréaliste : morceaux de marbre blanc taillés comme des cubes de sucre contenus dans une cage à oiseaux d'où sortent un os de seiche et un thermomètre, 1921 La Mariée mise à nu par ses célibataires, même, grand verre commencé en 1915 et volontairement inachevé en 1925 Anemic cinema, court métrage réalisé avec la collaboration de Man Ray et Marc Allégret, 1926 La Boîte-en-valise, 1936-1941 (en série jusqu'en 1968), coffret de cuir rouge contenant 80 œuvres en reproductions diverses : fac-similés et objets miniatures, 41,5 x 38,5 x 9,9[5] Prière de toucher, sein en mousse collé sur la couverture du catalogue de l'Exposition internationale du surréalisme à la Galerie Maeght, 1947 Étant donné le gaz d'éclairage et la chute d'eau, peinture (première version), 1949 Dada, 1916-1923, 1953, affiche pour la Galerie Sydney Janis, New York[6] Coin de chasteté, objet, 1963 Étant donnés : 1° la chute d'eau, 2° le gaz d'éclairage, variante tridimensionnelle de Grand verre, élaborée depuis 1946, inachevée en 1966 Écrits théoriques Vitaly Halberstadt et Marcel Duchamp, Opposition et cases conjuguées sont réconciliées, L'Échiquier, 1932 Marcel Duchamp, The Creative Act / Le Processus créatif Où il développe le concept de coefficient d'art. Marcel Duchamp, Duchamp du signe, Flammarion, 1975 Español «Duchamp» redirige aquí. Para otras acepciones véase Duchamp (desambiguación). Marcel Duchamp ataviado como su alter ego Rrose Selavy. Fotografía de 1921 de Man Ray.Marcel Duchamp (/maʀsɛl dyˈʃɑ̃/ Blainville-sur-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968). Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Biografía [editar] Infancia y adolescencia [editar]Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo al nordeste de Ruan, donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878). Como habían hecho sus hermanos mayores, a los que estaba muy unido, Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. Su hermano Gaston (Jacques Villon) había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que descollaban Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha, y Marcel, que admiraba a su hermano, trató de imitar su estilo en sus primeros dibujos.[1] En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba. Inicios artísticos en París [editar]En 1904, Montmartre llevaba más de cincuenta años albergando a la comunidad artística de París. Marcel se presentó al examen de la École des Beaux-Arts, que suspendió. Se matriculó en una escuela privada, la Académie Julian, que abandonó poco después por la vida en los cafés del barrio, donde, como era habitual en ese momento, llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Tras su servicio militar en Eu, cerca de Ruán, volvió a París en 1906. Por aquel tiempo realizó dibujos humorísticos, una actividad que gozaba de prestigio en la época. En 1907 se seleccionaron cinco de sus dibujos en el primer Salon des Artistes Humoristes. En 1908 se eligieron, hoy en día desaparecidas, para el Salón d'Automne, una importante exposición anual. Marcel pintó durante los años siguientes con un estilo fauvista, del que Matisse era el abanderado. Aunque Duchamp, muchas veces contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de Cézanne, en otras reconoció haber permanecido una larga temporada bajo su influjo, bajo el que probablemente pintaría Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su padre. Pintó más retratos por aquel tiempo, incluyendo uno de su amigo el Doctor Dumochel en el que exageró algunos rasgos físicos. A este respecto, Duchamp comentó que fue un primer intento de dotar de humor a su obra.[2] En 1910 pintó La partida de ajedrez, en la que aparecían sus dos hermanos jugando al ajedrez en un jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a otros cuatro en el Salón d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a exponer sin ser examinado previamente por un jurado. Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias. Etapa cubista Marcel Duchamp con sus hermanos Gaston y Raymond en Puteaux. 1912Era un tiempo de revoluciones artísticas: el collage de Picasso y Braque, el futurismo, las obras de Alfred Jarry, la poesía de Apollinaire y el arte abstracto de Vasily Kandinsky, Robert Delaunay y Piet Mondrian abrían al arte moderno. A partir de 1911 Duchamp empezó a innovar más seriamente. Según Tomkins, el cuadro que marca el inicio de esta etapa es Sonata.[3] En la pintura, inspirada en el cubismo de su hermano Jacques Villon, aparecen sus tres hermanas interpretando una pieza musical y su madre, ajena. Tras experimentar con "un fauvismo que no se basaba únicamente en distorsión"[3] en El matorral, pintó Yvonne y Magdaleine desmenuzadas y Retrato (Dulcinea), en los que juega con los temas del movimiento y la transición, temas mayores en la obra de Duchamp. En ésta época tuvo una relación con Jeanne Serre, según Gough-Cooper y Caumont la modelo de El matorral, con la que tuvo una hija, aunque Duchamp no lo sabría hasta mucho más adelante.[4] En aquella época quedó cazado por el cubismo en sus visitas a la Galerie Kahnweiler, donde había lienzos de Picasso y Braque. Como tanto Picasso como Braque rechazaron justificar el cubismo con teorías o manifiestos, el grupo de nuevos cubistas en el que se encontraban los hermanos Duchamp—con los que no se relacionaban Picasso ni Braque—comprendieron su fundamento intelectual mediante las explicaciones de Jean Metzinger. Este grupo se reunía en la casa de Villon en Puteaux los domingos por la tarde, de ahí recibió el nombre de grupo de Puteaux. Entre otros temas, en las discusiones del grupo que se hablaba de dos asuntos de importancia para Duchamp: La cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina (arte retiniano). Fruto de estas nuevas ideas, en 1911 acometió la tarea de representar la actividad mental de una partida de ajedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez. Aunque en su técnica no destaca sobre otras obras cubistas, sí lo hace el intento de dar énfasis a la actividad mental en detrimento de la imagen retiniana. Aunque hay ciertas similitudes entre ambos Desnudos Duchamp aseguró no recordar haber visto este Desnudo bajando una escalera de Eadweard Muybridge.[5] En cambio, sí reconoció la influencia de las fotografías de Étienne-Jules Marey, que trataban de capturar el movimiento mediante fotografías repetidas, como éstas.[5]A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores. Nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Por este tiempo dejó de frecuentar tanto a sus hermanos y pasó a estar en contacto sólo con un grupo de amigos, en especial con Picabia. Entonces empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento. El primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con train.[6] La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda. Se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones. Desnudo, que empezó en diciembre de 1911, sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo.[7] El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. Aúna elementos del cubismo y futurismo, movimiento que atacaba al cubismo del grupo de Puteaux. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salon des Indépendants, pero Albert Gleizes le pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el título, que les parecía caricaturesco, a lo que éstos accedieron. A propósito de este incidente, Duchamp recordaría más tarde: (...) no repliqué. Dije muy bien, muy bien, cogí un taxi para la exposición, recuperé mi cuadro y me lo llevé. Fue un auténtico giro en mi vida. Me di cuenta de que, después de aquello, nunca más volverían a interesarme demasiado los grupos [8] Sin embargo, si Desnudo bajando una escalera animó a Duchamp a seguir su propio camino sin adscribirse a teorías o grupos, fue otro cuadro pintado ese mismo año el que marcaría el camino que acabaría años más tarde en la realización de El gran vidrio (La marièe mise à nu pair ses célibataires): Molinillo de café, una pequeña pintura para la cocina de su hermano. Según el propio Duchamp, pintó una descripción del mecanismo, estructurada en dos partes, ideas presentes también en el vidrio, aunque en aquella época no fue consciente lo que suponía. Viaje a Múnich y vuelta a París [editar] Picabia, amigo de Duchamp, en su estudio.En aquellos años recibió, según Tomkins, la influencia de Jules Laforgue y Raymond Roussel. Del primero le atraían su humor cínico, el desapego de sus personajes y sus juegos verbales. Del segundo, su obra a base de juegos de palabras, transliteraciones y retruécanos. Como más tarde reveló el propio Roussel, le atrajo la «locura de lo inesperado» y el descubrimiento de una obra que parte únicamente de la imaginación del autor, pues para Roussel las obras no debían contener «nada salvo combinaciones de objetos totalmente imaginarios».[9] Duchamp acudió junto a Francis Picabia[10] a la representación de Impresiones de África, que le impresionó fuertemente. Una semana más tarde se encaminó solo a Múnich. Allí no realizó ningún intento de conocer a Kandinsky, y de hecho la cuestión de la abstracción pura le resultaba bastante indiferente, sino que se dedicó a trabajar. De esta época son los primeros bocetos del gran vídrio y aparece el tema de las vírgenes y su transición a novia, tema que trabajaría durante mucho tiempo. Empezó por los dibujos de la Virgen, después continuó con la pintura El tránsito de la virgen a la novia y culminó con Novia. Según algunos críticos, como Jerrold Seigel, los cuadros no versan sobre la iniciación sexual, sino sobre transición al estado justamente anterior, de inocencia expectante. En las dos últimas aparecen un artilugio que también figurará en el Gran vidrio y de hecho, según el propio Duchamp, Novia no era más que un ensayo para una obra de más importancia. En esta época estuvo enamorado de Gabrielle Buffet-Picabia, esposa de Picabia. Tras dos meses de trabajo visitó Viena, Praga, Leipzig, Dresde y Berlín y sus museos antes de volver a París. En el viaje de vuelta escribió dos páginas de retrúecanos, fantasías y juegos de palabras que describen un cuadro que no llegaría a pintar. Este texto está considerado un precedente de las notas que más adelante incluiría en su Caja verde y del lenguaje del Gran vidrio. Según declararía más tarde, en esta época había abandonado el cubismo y la representación pictórica del movimiento, y se había hartado de la pintura. Se embarcó en la creación de una obra diferente, de gran envergadura, para lo que buscó un empleo de bibliotecario que le ocupara pocas horas. Cartel del Armory Show de 1913.Si embargo, la exposición de la Section d'Or, la exposición cubista más importante celebrada antes de la guerra,[11] trastocó sus planes por completo. De Duchamp se expusieron seis obras, entre ellas Desnudo bajando una escalera. Nº 2. Las pinturas muniquesas no se exhibieron, pues las consideraba meros estudios. Su obra tuvo poca repercusión en general, pero recibió elogios de Guillaume Apollinaire, que seguramente le prestó atención a causa de su amistad mutua con Picabia, y, lo que resultó más importante, atrajo vivamente el interés de Arthur B. Davies, Walter Pach y Walt Kuhn, que tenían proyectado organizar la Exposición Internacional de Arte Moderno que pasaría a la historia con el nombre de the Armory Show. La exposición conocida como El Armory Show puso en contacto al arte estadounidense con la vanguardia europea. Entre las pinturas, esculturas y obras decorativas expuestas el Desnudo bajando una escalera, nº2 de Duchamp provocó una gran reacción. Hubo colas de treinta y cuarenta minutos para ver el cuadro y el American Art News ofreció diez dólares al que diera la mejor explicación del cuadro.[12] Aunque el arte moderno recibió burlas en la prensa, atrajo a un grupo no muy numeroso de coleccionistas. A los tres hermanos Duchamp les fue muy bien: Raymond vendió tres de cuatro esculturas expuestas, Jacques Villon sus nueve pinturas y Marcel vendió sus cuatro lienzos por un total de 972 dólares. Duchamp pasó dos años realizando estudios para el Gran vidrio. El cambio en su obra fue total. Aunque antes de su viaje a Múnich había mostrado su desprecio por el arte retiniano, su arte seguía circunscrito en la tradición del arte occidental, tanto en materiales, pues siempre pintaba en óleo sobre lienzo, como en conceptos. Tras el viaje se aprecia como abandona el principio de la sensibilidad creadora y lo sustituye por el dibujo mecánico, la escritura, la ironía y el empleo del azar. Según Tomkins, no es casualidad que este cambio coincida con la mudanza de Duchamp a Neuilly, donde viviría alejado del círculo artístico de Montmartre. Allí se dedicó a trabajar en los preliminares de su nueva obra. Realizó dibujos preparatorios y escribió notas. En algún momento se le ocurrió que realizaría la obra sobre vidrio. De esta forma podría evitar la oxidación de los colores y también podría dejar zonas sin pintar, lo que elimina la necesidad de llenar todo el soporte. Había decidido que en su obra mostraría un movimiento psicológico, un tránsito, como había hecho ya en El tránsito de la virgen a la novia. En este tiempo estudió la perspectiva renacentista en detalle. Realizó un estudio en perspectiva del panel inferior (la machine célibataire o la máquina soltera). Pintó también un molinillo de café en perspectiva (Molinillo de chocolate (Nº 1)). Este trabajo en óleo sobre lienzo es un estudio del elemento central del panel inferior. Está pintado en un estilo muy diferente a sus obras anteriores, pues lo pintó con toda la precisión de la que fue capaz. Al recurrir al dibujo técnico, Duchamp intentaba eliminar la sensibilidad personal del artista al mecanizar el trazo. Más tarde consideró que aquel trabajo fue el auténtico principio del Gran vídrio. En sus notas preparatorias juega con la ironía y altera las leyes de la física y la química. Así, se habla de la oscilación de la densidad, la inversión de la fricción y la sexualidad como motor de dos tiempos en un un coqueteo con la patafísica. Duchamp dijo que buscó acercarse a la ciencia, pero no por amor a la misma, sino para «desacreditarla ligeramente, de una manera leve, sin importancia».[13] También se aprecia el gran interés de Duchamp por la cuarta dimensión y la geometría no euclidiana. Del grupo de Puteaux Duchamp fue el único que trabajó concienzudamente para comprender estos temas. De hecho, Gertrude Stein dice de Duchamp tras conocerle que «parece un joven inglés y habla con vehemencia acerca de la cuarta dimensión».[14] Rueda de bicicleta sobre un taburete, 1913. Réplica del original desaparecidoTras eliminar el talento en la manufactura recurriendo al dibujo técnico, Duchamp atacó a la intención consciente recurriendo al azar. Se le ocurrió cortar tres hilos de un metro de tamaño y dejarlos caer sobre tres lienzos. Calcó las líneas resultantes y reprodujo tres veces cada una sobre un lienzo. Al resultado lo tituló Red de zurcidos. Aunque otros artistas habían empleado el azar para escapar de sus condicionantes, Duchamp lo empleó de una forma nueva, pues consideraba que, dado que la suerte de cada uno es distinta, el resultado de su azar era una expresión de su subconsciente.[15] En algún momento de 1913, cuando exploraba esta vía, creó lo que retrospectivamente consideró el primer ready-made: una rueda delantera de bicicleta dispuesta bocabajo sobre un taburete de cuatro patas (Rueda de bicicleta sobre un taburete). Duchamp dijo que había surgido como un divertimento, pues le resultaba agradable observar como desaparecían los radios al girar la rueda.[16] Más adelante compró un portabotellas, artículo frecuente en los hogares franceses de la época, sin la intención de usarlo para llenarlo de botellas, sino como escultura ya hecha. En una nota de 1913, Duchamp anota la pregunta «¿Se pueden hacer obras que no sean de arte?».[17] También estuvo buscando el material con el que haría la en vidrio. Tras unos meses en los que estuvo probando a corroer el vidrio con ácido fluorhídrico, abandonó la idea porque le resultaba demasiado engorroso y peligroso, pues la reacción química emitía gases tóxicos. Entonces se le ocurrió utilizar hilo de alambre que pegaría al vidrio con gotas de barniz. El material era fácil de encontrar, maleable y muy cómodo. Con alambre sobre vidrio creó Trineo. Aunque Francia entró en la Primera Guerra Mundial el 3 de agosto de 1914 y sus dos hermanos fueron llamados al ejército poco después, el la opinión general en Francia es que la guerra duraría menos de medio año. En estas circunstancias, Duchamp continuó trabajando en sus estudios para el Gran vidrio. Lo siguiente que abordó fue otra obra en alambre sobre vidrio, los Nueve moldes machos, recipientes tridimensionales que representan a los solteros. Aunque en principio eran ocho, finalmente les agregó un noveno, el jefe de estación. Para Duchamp el número tres representaba a la multitud. El tres y múltiplos de tres aparecen con frecuencia en su obra. Para los Pistones de corrientes de aire de la parte superior del vidrio Duchamp recurrió otra vez a la suerte: dejó una gasa cuadrada ante una ventana y lo fotografió tres veces mientras el viento lo sacudía suavemente. Las siluetas resultantes formarían los Pistones. Traslado a Nueva York [editar]Walter Pach volvió a París en busca de obras para organizar más exposiciones en Nueva York sobre las vanguardias europeas. A raíz de esta visita, Duchamp y Pach se hicieron amigos. Muchos de los artistas afincados en la capital francesa habían sido llamados a filas. Duchamp fue eximido del ejército al detectarle un soplo reumático en el corazón. Aunque no exhibía su actitud escéptica con la guerra e impermeable al patriotismo, tuvo que aguantar los reproches de su cuñada y de los desconocidos que le increpaban por la calle por no estar en el frente. Así las cosas, escribió a Pach el 2 de abril de 1915 que estaba «totalmente decidido» a marcharse de Francia.,[18] y en una carta posterior aclaraba «No me voy a Nueva York, me marcho de París, que es muy distinto». El 15 de junio zarpó en el Rochambeau en dirección a Nueva York. Ya en Nueva York se alojó inicialmente en la casa del matrimonio Arensberg. Walter Arensberg, hijo de un magnate del acero, había quedado muy impresionado por el Armory Show. Para cuando Duchamp llegó a su apartamento, Arensberg atesoraba obras de Brancusi, Picasso, Braque, Matisse y los cubistas de Puteaux. Se ganó la vida y aprendió inglés dando clases de francés a amigos de Pach y Arensberg, entre los que se encontraba John Quinn, con quien trabó amistad. Tras dos meses en Nueva York, los medios de comunicación descubrieron que se encontraba allí y se convirtió en objetivo de los entrevistadores. Éste les correspondía con ideas y opiniones originales.[19] Sin embargo, ni habló de su obra ni se dedicó a pintar. En septiembre se marchó del apartamento de los Arensberg. Tres meses más tarde se volvió a mudar. El alquiler de su nuevo apartamento le obligó a buscar trabajo además de las clases, así que por medio de Pach consiguió un empleo en el Instituto Francés. Poco después de irse a vivir a su nuevo apartamento compró dos hojass de vidrio que serían el soporte del Gran vidrio, en el que trabajaba dos horas al día, aunque no todos los días. En invierno compartió piso con Jean Crotti, que hizo una pieza de metal sobre vidrio que retrataba a Duchamp: Retrato de Marcel Duchamp, que adquirió Arensberg y que más tarde desapareció. Fue en aquella época cuando Duchamp compró una pala quitanieve, la colgó del techo mediante un cable, la tituló In Advance of the Broken Arm y la firmó. Era un objeto elegido a través de la «indiferencia visual y, al mismo tiempo, de la total ausencia de buen o mal gusto»[20] Es el primer auténtico ready-made: una obra creada por la elección del artista, no por su habilidad. Poco después escribió a su hermana Suzanne para que convirtiese al portabotellas en un ready-made en la distancia. Para hacer esto, solo tenía que escribir una inscripción en él. Sin embargo, Suzanne ya había tirado el portabotellas y la rueda de bicicleta. De todas formas, la idea de ready-made había nacido. Duchamp diría mucho más adelante «No estoy seguro en absoluto de que el concepto de ready-made no sea la idea más importante que haya producido mi obra».[21] En aquella época se convirtió en el centro de atracción del grupo de Arensberg por su ingenio. Bebía bastante, en palabras de Albert Gleizes, y según Gabrielle Picabia, «todas sus alumnas caían en sus brazos», pues «había adquirido bastante experiencia y sabía como comportarse en cualquier situación». En su círculo íntimo se encontraban Picabia, el fotógrafo Man Ray y Henri-Pierre Roché, con los que compartiría una larga amistad. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1968. Obra [editar]Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio (Le grand verre). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la pieza en casa de Katherine Dreier, en aquel momento su propietaria En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Además de su obra plástica, es muy importante destacar su afición a los juegos de palabras que muchas veces se encontraban presentes en los títulos de sus obras, produciendo una multiplicidad de hilarantes lecturas. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art, y aún hasta nuestros días, se mantiene como el artista crucial para la comprensión de la posmodernidad. Es frecuente desprender de las obras de Duchamp lecturas con contenidos explícitamente sexuales, en general, los análisis de su obra se mueven entre el sicoanálisis y los cuestionamientos académicos e institucionales de las artes plásticas. Los últimos años de su vida, Duchamp preparó en secreto la que sería su última obra y que sería armada sólo después de su muerte, ésta es un diorama que se observa a través de un agujero en una puerta del museo de Filadelfia, lo que ahí dentro se ve, es una parte del cuerpo de una mujer, ostentando una lámpara en un paisaje rural. El título añade aún más incertidumbre a las lecturas que se puedan hacer de la obra "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado público".(Etant donnés: 1-la chute d'eau, 2- le gaz d'éclairage.) Existe otra "lectura" de la obra de Duchamp, y, por inclusión, de todo el llamado "arte moderno": Toda su obra es una burla al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo. Dalí se mofaba abiertamente de la "búsqueda de lecturas" de los críticos de arte moderno. Solía decir: "Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado". El ready-made [editar]Artículo principal: Ready-made FuenteEl ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes visualmente, o retinianamente. Por esta razón limitó el número de ready-mades a crear. Sin embargo sabía que la elección es una manifestación del gusto propio. A este respecto declaró que fue un «jueguecillo entre mi y yo». Retrospectivametne, se puede considerar el primer ready-made a Rueda de bicicleta sobre un taburete, aunque en su momento Duchamp no lo interpretó como tal, como tampoco hizo con Portabotellas'. Estas dos obras, escogidas en París, se perdieron tras su traslado. El primer ready-made completamente auténtico es una pala quitanieves que colgó del techo mediante un hilo y tituló In Advance of the Broken Arm. Una semana más tarde compró un ventilador de chimenea y lo llamó Pulled at 4 Pins, que en inglés no tiene significado, pero cuya traducción al francés, tiré a quatre èpingles, se puede traducir como «de punta en blanco». A excepción de rueda de bicicleta y portabotellas, que como se ha indicado no son ready-mades propiamente dichos, estas obras suelen tener nombres que no guardan aparentemente ninguna relación con el objeto. En primavera de 1916 eligió tres nuevos ready-mades. Peigne era un peine canino firmado con las iniciales M.D. Aunque el título es descriptivo, no lo es la inscripción que lo acompañaba: «3 ou 4 gouttes de hateur n'ont rien a faire avec la sauvagerie» (3 o 4 gotas de altivez no tienen nada que ver con la barbarie). Como escribió el mismo día de su creación, con la inscripción pretendía transformar el acto en un acontecimiento para el futuro. Pliant... de voyage es una funda de máquina de escribir, lo que la convierte en la primera escultura blanda, en la que escribió «UNDERWOOD». À bruit secret es un ovillo de cordel entre dos láminas cuadradas de latón sujetas por cuatro tornillos. Duchamp le dijo a Arensberg que metiera dentro del ovillo un pequeño objeto, sin decirle cuál era. En las chapas de latón hay una inscripción ininteligible con palabras en inglés y francés incompletas y solapadas. Más tarde firmó un cuadro de una escena de batalla del Café des Artistes, convirtiéndolo así en un ready-made. También dijo que se podría firmar el rascacielos Woolworth Building para convertirlo en un ready-made o usar un Rembrandt como tabla de planchar. Deutsch Marcel Duchamp (* 28. Juli 1887 in Blainville-Crevon; † 2. Oktober 1968 in Neuilly-sur-Seine), eigentlich Henri Robert Marcel Duchamp, war ein französischer Maler und Objektkünstler. Er ist Mitbegründer der Konzeptkunst und zählt zu den Wegbegleitern des Dadaismus und Surrealismus. Nach ihm ist der Prix Marcel Duchamp benannt. Leben Frühe Jahre Henri-Robert-Marcel Duchamp wurde 1887 als drittes von sechs Kindern des Notars Justin-Isidore „Eugène“ Duchamp und dessen Frau Marie Caroline Lucie Duchamp, einer Tochter des Malers, Kupferstechers und Schiffmaklers Émile Frédéric Nicolle (1830−1894), in Blainville geboren. Sein Bruder Raymond Duchamp-Villon war ein bedeutender Bildhauer des Kubismus; Duchamps Halbbruder Gaston, unter dem Pseudonym Jacques Villon bekannt, widmete sich der Malerei. Von den drei Schwestern Duchamps, Yvonne (* 1895), Magdelaine (* 1898) und Suzanne, war die älteste, Suzanne Duchamp, ebenfalls Malerin. 1902, mit 15 Jahren, begann Duchamp zu malen. Seine ersten Bilder waren noch von der damals herrschenden impressionistischen Technik beeinflusst. Im darauffolgenden Jahr entstanden Skizzen von seiner Schwester Suzanne und seiner Großmutter sowie unter anderem von Robert Pichon, einem Maler und Freund der Familie aus Rouen. Studium [Bearbeiten] Im Juli 1904 erhielt Duchamp das „Baccalauréat de philosophie“ am „Lycée Corneille“ in Rouen, das er seit Oktober 1897 besuchte. Hiernach ging er für ein Jahr an die Académie Julian in Paris. Während dieser Zeit wohnte er bei seinem Bruder Jacques Villon in der Rue Caulaincourt 71. Während seiner Studien an der Akademie setzte er sich vorwiegend mit der impressionistischen Malerei auseinander. Im Jahr 1905 meldete er sich freiwillig zum Militär und nutzte ein Gesetz aus, das Doktoren, Rechtsanwälten, Facharbeitern und Handwerkern eine verkürzte Militärdienstzeit von drei auf ein Jahr garantierte. Seine Tätigkeit als Handwerker hatte er damit bewiesen, das er der Militärkommission einige Radierungen seines Grossvaters vorlegte. 1906 nahm er das Studium in Paris wieder auf. Von Juli 1908 bis Oktober 1913 lebte er in Neuilly. Erste Ausstellungen [Bearbeiten] Marcel Duchamp, Jacques Villon und Raymond Duchamp, um 1912Im Garten seines älteren Bruders Raymond Duchamp-Villon kamen immer sonntags, während des Jahres 1909, neben seinem Bruder Jacques Villon Künstler wie Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Roger de la Fresnaye und Jean Metzinger sowie unter anderem die Dichter und Kritiker Guillaume Apollinaire, Gabrielle Buffet, Olivier Hourcade, Pierre Reverdy, Maurice Raynal und Georges Ribemot zu Gesprächen, an denen Duchamp teilnahm, zusammen. 1909 nahm Duchamp in Paris an der Ausstellung des Salon des Indépendants, die vom 25. März bis 2. Mai dauerte, mit zwei Bildern teil, wovon eines die Landschaft von 1908 war. Für die vom 1. Oktober bis 8. November stattfindende Ausstellung des Salon d’Automne trug Duchamp drei Werke bei, darunter die Werke Auf den Klippen von 1908 und Saint Sébastien von 1909, welches im damaligen Katalog zur Ausstellung unter dem Titel Veules (Eglise) augfeführt wurde.[1] Nachdem er einige Zeit Karikaturen für mehrere Zeitschriften gezeichnet hatte, wandte er sich wie seine Brüder 1911 dem Kubismus zu. Im gleichen Jahr freundete er sich mit Guillaume Apollinaire und Francis Picabia an. Neben Künstlern wie Francis Picabia, Albert Gleizes, Juan Gris und seinem Bruder Jacques Villon war auch Marcel Duchamp Mitglied der Section d’Or. 1912 hielt er sich in München auf, und 1913, wieder in Paris, verbrachte er den Sommer in England, wo er Entwürfe zum Großen Glas herstellte. Die Armory Show [Bearbeiten] Poster der Armory Show, New York, 1913Nachdem das Bild Akt, eine Treppe herabsteigend Nr. 2 (Nu descendant un escalier no.2) aus dem Jahr 1912 im selben Jahr vom „Salon des Indépendants“ in Paris zurückgewiesen wurde, da es über das mittlerweile verfestigte Programm der Kubisten um Gleizes und Metzinger hinaus ging,[2] zeigte Duchamp das im kubistischen Stil mit gleichzeitigen futuristischen Elementen gemalte[3] stark von Eadweard Muybridges Bildfolge Woman walking downstairs beeinflusste[4] und für das amerikanische Publikum provozierende Bild von 1912, Nude Descending a Staircase (No. 2) auf der Armory Show 1913 in New York, wo die avantgardistischen Stilströmungen Europas vom Impressionismus bis zur abstrakten Malerei vorgeführt wurden. Die aus dieser Aktion hervorgegangenen heftigen Diskussionen machten Duchamp in Amerika zu einer bekannten Persönlichkeit. [5] Gegenwärtig ist es im Philadelphia Museum of Art ausgestellt. Seine Ansichten stellten den gängigen Kunstbegriff radikal in Frage: So kaufte sich Duchamp 1914 in dem Pariser Warenhaus Bazar de l’ Hôtel-de-Ville einen Flaschentrockner (Portes-bouteilles) aus Eisen und signierte ihn. Er vertrat öffentlich die Meinung, dass bereits die Auswahl dieses Gegenstandes ein künstlerisches Werk sei, was zu einem Kunstskandal führte. Übersiedlung nach New York [Bearbeiten] In New York, wohin Duchamp 1915 übersiedelte und am 15 Juni mit dem Schiff eintraf, hatte er sich zunächst ein Doppelapartement in der 33 West 67th Street angemietet. Einen Monat später bezog er ein Lagerhaus auf am Beekham Place und kurz darauf ein Studio am Broadway. Zu diesem Zeitpunkt freundete er sich mit Kunstsammler-Ehepaar Louise und Walter Arensberg an, das ihn unterstützte und zu seinen wichtigsten Sammlern wurde. In New York traf er seinen Freund Francis Picabia wieder, der wie er und weitere Künstler wie Jean Crotti und Albert Gleizes aufgrund des Ersten Weltkriegs nach Amerika ausgewandert waren. Im gleichen Jahr signierte er sein erstes Ready-made im Kreis um Alfred Stieglitz – Flaschenständer und Urinoir. 1916 gründete er zusammen mit weiteren Künstlern die Society of Independent Artists sowie die „Proto-dadaistische Bewegung“. 1917 zog Duchamp in ein kleines Studio in der 33 West 67th Street, wo er bis Juli 1918 arbeitete, bevor er am 13. August 1918 nach Buenos Aires abreiste. Er blieb dort bis zum Juni 1919, spielte intensiv Schach, zeichnete Schachspieler und fertigte detaillierte Studien für das Große Glas an, welches „mit einem Auge fast eine Stunde lang aus der Nähe zu betrachten ist.“[1] Zurück in Paris [Bearbeiten] Marcel Duchamp Externer Weblink! L.H.O.O.Q, 1919 1919, wieder zurück in Paris, lernte er André Breton, Louis Aragon, Paul Eluard, Philippe Soupauld und Jacques Rigaud, Dichter aus dem Kreis der Dadaisten, kennen. Duchamp arbeitete an einer Variation des Ready-mades L.H.O.O.Q, einer Reproduktion der Mona Lisa von Leonardo da Vinci, der er mit Bleistift einen Schnauz- und Spitzbart hinzugefügt hatte. Nach der Duchamp’schen Paronomasie lässt sich das Werk auf zwei Weisen lesen: Einerseits lassen sich die einzelnen Lettern des Titels in Französisch ausgeprochen „elle a chaud au cul“ lesen, andererseits „offenbart sich eine andere Beklemmung, indem durch das Hinzufügen von männlichen Attributen zu einem der berühmtesten und am meisten abergläubisch verehrten Frauenportraits ein subtiler Witz an Leonardos eigener Homosexualität und an Duchamp’s Interesse in der Konfusion der sexuellen Rolle.“[6] angespielt wird. 1920 gründete er zusammen mit Katherine Sophie Dreier und Man Ray die „Societé Anonyme“ und kam in Kontakt mit anderen Künstlern der Avant-Garde.[7] Auf einer Reise nach Paris von 1921 bis 1922 begegnete er André Breton. Am 8. Juni 1927 heiratete Duchamp Lydie Sarazin-Levassor (1903–1988), doch erfolgte sechs Monate später die Scheidung. Es wurde kolportiert, dass Duchamp die Ehe aus finanziellen Gründen geschlossen hätte, da Lydie die Enkelin des reichen Automobilfabrikanten Émile Levassor war. [8] 1936 nahm Duchamp an der Ausstellung „Phantastic Art, Dada, Surrealism“, die von Alfred H. Barr jun. im Museum of Modern Art in New York organisiert wurde, teil. Auf der 1938 von der „Galerie des beaux-arts“ ausgerichteten „Exposition internationale du surréalisme“ in Paris stellte Duchamp Rrose Sélavy, „eine lebensgroße weibliche Schaufensterpuppe, die Kleider Duchamps trägt“[1], aus. 1942 organisierte er zusammen mit André Breton und Sidney Janis (1896–1989) die Ausstellung „First Papers of Surrealism“, die vom 14. Oktober bis 7. November stattfand.[1] Letzte Jahre [Bearbeiten] 1945 entwarf Duchamp die Einbände für die Marcel Duchamp-Sondernummer der Zeitschrift „View“ und für den Man Ray-Katalog zur Ausstellung in der „Julien Levy Gallery“ im April 1945.[1] Im Jahr 1946 war Duchamp Mitglied der Jury des Bel Ami Kunstwettbewerbes neben Alfred H. Barr jun. und Sidney Janis, der für den US-amerikanischen Film The Private Affairs of Bel Ami von dessen Produzenten ausgeschrieben wurde. Die Jury wählte das Bild Die Versuchung des heiligen Antonius von Max Ernst als Sieger des Wettbewerbs aus. Im Jahr 1954 heiratete Duchamp ein weiteres Mal: Seine zweite Ehefrau Alexina, genannt Teeny, war vorher mit Pierre Matisse, dem bekannten Galeristen in New York und Sohn des Malers Henri Matisse, verheiratet gewesen. 1963 fand die erste Duchamp-Retrospektive im „Pasadena Art Museum“ statt. Er war Teilnehmer der documenta III in Kassel im Jahr 1964 (und auch posthum auf der documenta 5 (1972) und der documenta 6 im Jahr 1977) mit Werken vertreten. In der Nacht vom 1. auf den 2. Oktober 1968, verstarb Duchamp nach einem Abend mit seiner Frau Teeny und Freunden Lébel und Man Ray an einem Lachanfall.[9] Werk [Bearbeiten] Das große Glas [Bearbeiten] Marcel Duchamp Externer Weblink! Die Neuvermählte/Braut wird von ihren Junggesellen entkleidet, sogar (oder: Großes Glas), 1915–1923 Ein Umdenken und radikaler Bruch mit der ihn umgebenden zeitgenössischen Kunst fand 1912 während eines einsamen längeren Aufenthalts in München statt. 1915 begann er sein Werk „Die Neuvermählte/Braut wird von ihren Junggesellen entkleidet, sogar (oder: Großes Glas)“. Duchamp brachte viel Zeit mit der Konzeption dieser Arbeit zu und erwähnt sie immer wieder in seinen Notizen, ausgestellt wurde sie 1926/1927 im Brooklyn Museum. Das Werk besteht aus einer großen, bemalten, senkrecht stehenden zweiteiligen Glasplatte. Die Mitte bildet den Horizont. Die Braut im oberen Teil stellt sich als eine Art Maschine dar, die keine menschlichen Züge trägt – eine Weiterentwicklung des Akt, eine Treppe hinuntersteigend. Rechts von ihr befindet sich die Inschrift oder Milchstrasse. Im unteren Teil des Glases befinden sich links die Junggesellen, im Einzelnen sind dies Priester, Leichenträger, Stationsvorsteher, Schutzmann, Lakai, Kürrassier. Sie setzen durch ihr Begehren nach der Braut die Schokoladenreibe rechts daneben in Gang, ein Motiv, das Duchamp seit jeher fasziniert hatte. Das Werk funktioniert wie eine Versuchsanordnung, die Junggesellen begehren die Braut, ohne ihrer habhaft zu werden (Eros), es ist selbstreferentiell, und wirkt zunächst kryptisch. Das Glas sollte eine Vermählung von geistigen und visuellen Reaktionen hervorrufen, zugleich Darstellung und Idee sein. 1931 zerbrach das Werk beim Transport, aber Duchamp setzte es wieder zusammen und integrierte so die Spuren des Zersplitterns. Nähere Erläuterungen zum Großen Glas und andere Ideen lieferte Duchamp in den Textfragmenten der Grünen Schachtel, die Worte sollten auch nicht bloß Kommunikation, sondern direkter Bestandteil der Kunst, wie eine Farbe (Duchamp) sein. Die Ready-mades [Bearbeiten] Replik von Duchamps Fountain in Musée Maillol, Paris (Das Original von 1917 ist verschollen)Mit dem Jahr 1913 führte er das „erste Ready-made ein, kein vom Künstler geschaffenes, sondern von ihm ohne jedes ästhetische Vorurteil ausgesuchtes (und darin vom Objet trouvé verschiedenes) Alltagsobjekt“ [10] in die Kunst ein. Das 1914 entstandene Ready-made Flaschentrockner war ein massenhaft industriell erzeugter Gebrauchsgegenstand, also in den Augen der meisten ein eher wertloses Objekt, dessen Form, losgelöst von der Funktion, eine ganz eigene Charakteristik hatte, die allerdings zuvor – bis zu Duchamps Geste des Signierens, und der Bedeutung, die er ihm damit verlieh – sozusagen unsichtbar blieb. Duchamps Geste wird als „die Geburt“ der Konzeptkunst betrachtet. Aktionen wie die Verhüllung des Reichstages von Christo stehen in dieser Tradition: Durch das Verhüllen wird etwas Gewöhnliches erst wieder wirklich sichtbar. 1917 besorgte sich Duchamp bei der New Yorker Firma „J. L. Mott Iron Works“, einem Händler für Sanitärbedarf, ein Urinal, ein Pissoirbecken für öffentliche Bedürfnisanstalten, gab ihm den Titel Fountain, signierte es mit dem Pseudonym „R.[ichard] Mutt“ und reichte es unter diesem pseudonymisierten Künstlernamen für die Jahresausstellung der Society of Independent Artists in New York ein. Seine Einsendung wurde heftig diskutiert, denn Duchamp verstieß mit ihr bewusst gegen alle ‚Regeln’ der traditionellen Kunst und provozierte damit die Zurückweisung seines Werkes durch die Jury der Ausstellung, der er selbst mit angehörte und aus der er nach der Zurückweisung des Werkes austrat. Das heute verlorene Objekt ist durch eine Fotografie in der zweiten Ausgabe von „The Blind Man“ (New York, Mai 1917) authentisch überliefert.[11] Replik von Duchamps Ready-made Fahrrad-Rad (Roue de bicyclette) (Das Original von 1913 ist verschollen)Die Gruppe um Marcel Duchamp sorgte für Publizität. Fountain wurde somit „ausgestellt“ – jedoch nicht im konventionellen Sinn: Fountain wurde zum Medienereignis. Vom größten Teil der Kunsthistoriker wird Marcel Duchamp daher als Erfinder des Ready-made und Kunstrevolutionär, und das Werk „Fountain“ als ein zentrales Werk der Kunstgeschichte, mit dem er alle bisherigen Kunstbegriffe ironisch infrage stellte, gesehen. Außer als Provokation kann man Duchamps „Fountain“ auch als Reaktion auf das zunehmende Vertrauen in die Rationalität des Menschen sehen. 1923 gab Duchamp die Malerei auf und nutzte seine Ready-mades als eine Art Gegenkunst, denn er vertrat die Ansicht, dass der Künstler jederzeit v